Mostra inédita leva trabalhos
de Odilla Mestriner ao Espaço Cultura Citi
Pintora, desenhista e gravadora
nascida em Ribeirão Preto, Odilla Mestriner (1928-2009) nunca
saiu de sua cidade natal e, mesmo assim, deixou importante
contribuição para as artes visuais do país, participando de
sete Bienais de São Paulo e tendo suas criações nos acervos
dos mais importantes museus e instituições brasileiros.
A exposição A Obra e o Destino,
com curadoria de Jacob Klintowitz, traz 32 trabalhos entre
pinturas, desenhos e gravuras, realizados em cinco décadas, de
1960 a 2007, que pontuam sua carreira. Cerca de 40% da mostra
é inédita para o grande público, assim como seu caráter
antológico, propondo uma leitura mais abrangente e panorâmica
da artista. Está é a primeira individual da artista após seu
falecimento em 10 de fevereiro do ano passado.
O Espaço Cultural Citi é uma
galeria pública visitada mensalmente por cerca de 50 mil
pessoas que trafegam entre a Avenida Paulista e a Alameda
Santos. O espaço mantém a sua vocação de mostrar obras de arte
no centro vital de São Paulo. Desde 2005, passaram por ali as
obras de nomes consagrados, como Rubens Gerchman, Luiz Paulo
Baravelli, Cláudio Tozzi, Gregório Gruber, Romero Britto,
Newton Mesquita, Odetto Guersoni, Ivald Granato, Takashi
Fukushima, Caciporé Torres, Sérgio Lucena e a ceramista Shoko
Suzuki, além de jovens que se firmam como Luciana Maas e Manu
Maltez, entre outros.
Odilla Mestriner, vida
poética e o luminoso mistério da arte, por Jacob Klintowitz
A obra e a vida de certos
artistas sempre se constituem em um luminoso mistério, pois
parece tão curta a vida para tão grande amor. Eu penso na
existência de Odilla Mestriner, emanação que continua a se
oferecer como referência e claro enigma. A sua obra
multiforme, complexa, corajosa e severa e a sua vida
encontram-se, de tal maneira interligadas, que não há
distinção entre elas, e a artista, como um personagem
absolutamente íntegro e clássico, é o seu próprio destino.
Como Medéia, Aquiles ou Antígona, o seu percurso é a
trajetória de sua história terrena e divina e ela se torna
símbolo de si mesmo e paradigma de um modelo de estrutura
nuclear trágica.
Odilla Mestriner foi uma pintora
nascida em Ribeirão Preto (1928 -2009) e de forte inserção na
arte brasileira, tendo participado de importantes exposições
coletivas, mostras antológicas e de sete edições da Bienal
Internacional de São Paulo. Nos últimos anos, chocada com a
violência urbana, permaneceu quase integralmente no seu
ateliê. O que apenas evidenciou a sua opção pelo silêncio e
pelo recolhimento. Em 1987 eu escrevi e desenhei o livro sobre
o seu trabalho e ela somente me falava de sua obra e de seus
deveres com a arte e a educação da sensibilidade do público. A
existência poética de uma pintora.
A obra de Odilla Mestriner se
alicerçou num desenho preciso e numa composição geométrica. É
sobre esta sólida base que a sua cor se tornou lírica. Os seus
assuntos são referências objetivas – casas, signos zodiacais,
pássaros, espantalhos, rostos, paisagens, barcos, andantes –
que ela desenvolveu com lógica seqüencial e espírito
universal, tornando-os formas da epopéia humana.
Como desenhista, gravadora e
pintora, Odilla Mestriner foi brilhante. E generosa nas
obras-homenagem nas quais recria temas de artistas admirados,
como Antonio Henrique do Amaral e Lasar Segall.
Odilla Mestriner foi uma mestra
cuja vida de artista talentosa foi dedicada à arte e a
enriquecer de qualidade estética a existência das pessoas.
Claro enigma? É simples, trata-se de uma rainha.
Breve Biografia
Odilla Mestriner. Desenhista e
pintora. Entre 1955 e 1956, estuda na Escola Municipal de
Belas Artes de Ribeirão Preto, onde é aluna de Domenico
Lazzarini (1920-1987). Nessa época monta seu ateliê e
apresenta seus trabalhos na Exposição do Centenário de
Ribeirão Preto, em 1956. As principais características de sua
produção definem-se nesse momento: o interesse pelo desenho,
com suas linhas e texturas, e a temática urbana. Realiza sua
primeira individual na Picolla Galeria do Instituto Italiano
de Cultura, no Rio de Janeiro, em 1959. A artista emprega
várias técnicas, como pintura em acrílica, desenho, aquarela e
nanquim. Ao longo de sua trajetória artística, Mestriner
permanece vinculada à sua cidade natal. Recebe, entre outros,
o Prêmio Melhor Desenhista pela Associação Paulista dos
Críticos de Arte - APCA, em 1973. Participa de todas as
edições da Bienal Internacional de São Paulo, entre 1959 e
1969, recebendo nesse ano o prêmio aquisição Itamaraty. Em
1987, é publicado livro de Jacob Klintowitz sobre sua
produção, pela editora Raízes. São realizadas as
retrospectivas Odilla Mestriner: releitura gráfica 1958/1978,
no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo -
MAC/USP, em 1983; e a Retrospectiva no Museu de Arte de
Ribeirão Preto, juntamente com a publicação do catálogo Odilla
Mestriner e a arte em Ribeirão Preto, com texto do historiador
da arte Tadeu Chiarelli, em 1994.
Fonte: Enciclopédia Itaú
Cultural
Espaço Cultural Citi
Av. Paulista, 1111, térreo, fone
11.4009.3000
www.citigroup.com.,
www.citi.com.br.
Visitação: até 26 de fevereiro
de 2010
de segunda a sexta-feira, das 9
às 19 horas; aos sábados, domingos e feriados, das 10 às 17
horas.
Acesso a portadores de
deficiência física pela Alameda Santos, 1146
Entrada é gratuita.
Caixa Cultural São Paulo traz
a exposição o Brasil de John Graz
Obras selecionadas que
mostram o olhar curioso de um suíço no Brasil fazem parte do
acervo de mais de 2000 desenhos do recém-criado Instituto John
Graz
O Brasil de John Graz. É esse o
título da exposição que traz a visão da terra em que John
Louis Graz (Suiça, 1891 - São Paulo, 1980) – um dos mais
importantes e influentes artistas plásticos, designer,
arquiteto do século XX – escolheu para viver. A mostra, que
vai ocupar aproximadamente 150 m² da Caixa Cultural São Paulo
(Sé), está aberta a visitação a partir do dia 23 de janeiro de
2010, tem curadoria de Sérgio Pizoli e reunirá cerca de 180
trabalhos inéditos do artista. A iniciativa é uma parceria
entre o recém-inaugurado Instituto John Graz, presidido pela
viúva do artista, Annie Graz e a Caixa Cultural São Paulo.
A exposição
apresenta desenhos e uma tela em grande dimensão, todos com
temática brasileira, abordando os diferentes estilos em que
foram produzidos. Dentre os trabalhos inéditos selecionados
pela curadoria estão desenhos de vários tamanhos, realizados
pelo artista entre 1920 – ano de sua chegada ao Brasil – e
1980. O público terá contato com estudos, cadernos de viagem e
esboços, com várias visões do Brasil pelo desenho modernista
de John Graz. Dentre os temas escolhidos estão cenas e
arquitetura brasileiras; viagens, festas e paisagens; flora e
fauna; o homem e o trabalho. Em síntese: uma diversidade de
técnicas e temas relacionados à visão modernista de um país
tropical.
A mostra está
dividida em dois segmentos: Desenhos em pequena dimensão e
Desenhos em dimensões maiores. O primeiro traz obras com
tamanhos que variam entre 9 x 9 cm a 36 x 36 cm, expostas em
pranchas maiores, agrupando-se de uma a quatro peças. Nesse
segmento é possível notar a técnica refinada do artista nos
trabalhos em guache e no grafite sobre papel. Já na área
reservada aos desenhos maiores, medindo entre 30 x 40 cm a 60
x 70 cm – também tendo o guache e grafite sobre papel como
suportes – há uma única tela em grande dimensão, “Bachiana
Brasileira” (228 x 99 cm), que fecha a exposição.
Para o
curador, a mostra pretende transmitir aos visitantes “o
conceito de ‘artista total’, já que John Graz foi capaz de
unir arte, arquitetura e design numa única linguagem
plástica”. Pizoli acrescenta ainda que Graz “fez do desenho
artístico uma atividade permanente, elaborando séries de
estudos que, muitas vezes, não chegaram a ser executados em
tela ou mural, mas têm o requinte formal de obra acabada. Seu
trabalho plástico retoma o desenho clássico, incorpora a
iconografia brasileira, assume e difunde as influências
modernistas”.
Ainda segundo
o curador, outro traço marcante no trabalho de John Graz é a
sua relação com o movimento. “Seus personagens raramente são
surpreendidos em pose: os índios caçam, pescam, os cavalos
galopam ou lutam, os meninos e as mulheres trabalham, os
homens guerreiam, navegam ou simplesmente agem”, analisa
Pizoli.
John Graz – Suíço
radicado no Brasil desde 1920 traz para o cenário das artes
brasileiras as influências renovadoras dos movimentos europeus
do século XX. Após sua formação artística na Escola de Belas
Artes de Genebra, onde cursou Arquitetura, Decoração e
Desenho, viaja para a Espanha. Suas obras lá produzidas
impressionam Oswald de Andrade, que o convida a participar da
Semana de Arte Moderna 1922, ao lado de nomes como Anitta
Malfatti, Di Cavalcanti e Vicente do Rego Monteiro. É um dos
fundadores da Sociedade Pró Arte Moderna (SPAM) e do Clube dos
Artistas Modernos (CAM). Em 1925, inicia suas atividades como
arquiteto e designer de interiores, dedicando-se por quase
quarenta anos a este segmento profissional.
Faleceu em 1980, aos 89 anos,
deixando um acervo, ainda hoje inédito, com desenhos, estudos,
plantas baixas, cadernos de viagem e de anotações, aos
cuidados de Annie Graz, sua segunda esposa. Este acervo
encontra-se, atualmente, sob a guarda do recém-fundado
Instituto John Graz.
Instituto John Graz –
Trata-se de uma instituição sem fins lucrativos fundada em
2005 com o objetivo de contribuir para o desenvolvimento
cultural e a integração entre as áreas de artes plásticas e o
design, ampliando sua discussão dentro da contemporaneidade. O
foco é a preservação, estudo e difusão da obra do artista em
suas influências estéticas e nas suas relações com a sociedade
brasileira. O Instituto acredita que, por meio da consolidação
da obra do artista, contribuirá para os desdobramentos destas
atividades, incentivando a reflexão sobre os limites entre
arte e design.
CAIXA Cultural São Paulo (Sé)
- Galeria Dom Pedro II
Praça da Sé, 111 – Centro – São
Paulo/SP
e Agendamento para visitas em
grupo: (11) 3321-4400
Visitação: até 28 de fevereiro
de 2010
de terça-feira a domingo, das 9h
às 21h.
Acesso para pessoas com
necessidades especiais.
Classificação etária: Livre
Entrada Franca
Caixa Cultural São Paulo
apresenta a exposição memória da cidade
Fotos representam História e
Patrimônio de São Paulo, no mês de seu aniversário
São Paulo, megalópole de onze
milhões de habitantes, babel contemporânea, cidade global,
selva de concreto, aço e vidro, fumaça, trânsito caótico,
polifonia de ruídos, ou, como quis Caetano Veloso: mais
possível novo quilombo de Zumbi.
São Paulo,
cidade provinciana, algumas dezenas de milhares de almas
habitando casas de barro, transitando lentamente por ruas
estreitas e tortas, esbarrando em escravos. Nos chafarizes
públicos, filas para se obter água para os lares. Um sino soa
- São Francisco ou São Bento - avisando da saída da procissão,
cascos de cavalo batem no chão, algumas carroças. Na Rua do
Comércio imperam os trajes austeros e a infinita coleção de
barbas, bigodes, cavanhaques, suíças e afins.
Há uma
cidade, duas ou muitas?
A cidade de
São Paulo recebeu ao longo de sua existência uma vastidão de
interpretações, títulos, rótulos e mitos: Cidade que nunca
dorme, Locomotiva do Brasil, Túmulo do Samba, Capital da
Solidão, Berço da Nação...
Todas as
denominações, como mitos, trazem possibilidades de
compreensão, mas não verdades ou mentiras absolutas. Memória
da Cidade: história e patrimônio de São Paulo põe no mesmo
espaço e tempo duas cidades separadas não por uma distância
geográfica, mas por mais de uma centena de anos, flagradas
cada uma no seu tempo por um fotógrafo.
O projeto
Memória da Cidade é uma realização da Caixa Cultural de São
Paulo, produzido pela Conceito e Famiglia Produções, com apoio
do Museu Paulista da Universidade de São Paulo, detentor da
coleção original de fotos de Militão Augusto de Azevedo
expostas agora.
Sobre os fotógrafos:
Militão Augusto de Azevedo (Rio
de Janeiro, 1837 – São Paulo, 1905) foi o primeiro fotógrafo a
registrar a cidade de São Paulo, no início da década de 1860.
Suas fotografias (um conjunto de aproximadamente três dezenas
de cenas da cidade, diante de mais de 12.000 retratos
executados pelo fotógrafo) se tornaram uma fonte de
inestimável valor para o conhecimento da São Paulo
oitocentista. Desse conjunto de fotografias de cenas, Memória
da Cidade trará 25 delas, pela primeira vez reunidas e
expostas tal como foram produzidas por Militão: tendo a cidade
como “modelo”.
Renato Suzuki
(São Paulo, 1978), fotógrafo da nova geração, também dedicado
à tradução fotográfica da cidade de São Paulo, retorna aos
espaços retratados por Militão há mais de cem anos, e os relê,
reinterpreta, busca as aproximações e distanciamentos entre
esses dois mundos, a cidade hoje e a do século XIX. Nesse jogo
de aproximações revela-se a linha vital que liga dois
fotógrafos, dois mundos, duas cidades, duas técnicas, dois
olhares: um único espaço e a memória. O conjunto de
aproximadamente 50 imagens, produzido nos últimos dois anos
por Renato Suzuki, materializa esse jogo.
Curso livre sobre a história
da cidade
Simultaneamente à exposição, o
projeto Memória da Cidade traz um curso livre a respeito da
história cultural da cidade de São Paulo, ministrado pelos
professores Carlos Eduardo França de Oliveira, Erik Hörner e
Rodrigo da Silva, formados pela Faculdade de Filosofia, Letras
e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo e
pesquisadores ligados ao Museu Paulista da USP (mais conhecido
como Museu do Ipiranga). O curso busca fazer um itinerário
pelos modos de vida na cidade de São Paulo ao longo de sua
história, dos hábitos, do cotidiano, do espaço da cidade, sua
evolução, procurando apresentar outras possibilidades de
interpretação, algumas das quais pondo em questão mitos e
pressupostos a respeito dela. Nesse caminho, a cidade,
sobretudo sua região central, ressurge como espaço, como
cenário das interpretações fotográficas de Militão Augusto de
Azevedo e de Renato Suzuki e como “patrimônio cultural”,
repositório de memórias da população, lugares – inclusive – de
parte da “mitologia paulistana”.
Ele será
ministrado do dia 26 de janeiro (terça-feira) a 03 de março de
2010 (quarta-feira), todas terças e quintas-feiras das 7 às
21h, sendo que haverá recesso no dia 16 de fevereiro
(Carnaval). Também haverá dois módulos especiais nos sábados
(20 e 27 de fevereiro), das 09 ao meio dia. São 60 vagas e
certificação mediante freqüência superior a 70% da grade.
CAIXA CULTURAL São Paulo
Praça da Sé, 111 – Centro - São
Paulo (SP) - Galerias Florisbela e Octogonal
De terça-feira a domingo, das 9h
às 21h.
Visitação: 23 de janeiro a 28 de
fevereiro de 2010
Informações e Agendamento para
curso livre sobre história da cidade: (11) 3321-4400
Acesso para pessoas com
necessidades especiais.
Entrada: franca
Recomendação etária: livre
Stéphane Vigny realiza
Savoir-Forme, sua primeira individual no Brasil
O artista parisiense é dos
mais promissores de sua geração. Seus trabalhos já foram
exibidos em galerias francesas e no renomado museu de arte
contemporânea Palais de Tokyo. A exposição no Museu Inimá de
Paula, em Belo Horizonte, apresenta obras recentes, inéditas e
especialmente desenvolvidas para o espaço
Tão pouco conhecido quanto surpreendente. Talvez essa seja a
melhor definição para o primeiro contato do espectador com o
universo de Stéphane Vigny. Aos poucos, surgirão os
referenciais como a idéia de ready made como objeto de arte,
introduzido por Duchamp, as interseções com a produção
contemporânea brasileira e o humor bem particular do artista
que abre sua primeira exposição no Brasil no Museu Inimá de
Paula, em Belo Horizonte.
Os contatos
iniciais entre artista e instituição foram há mais de um ano,
esboçando possibilidades que - pela natureza das obras e da
proposta do Museu Inimá de Paula – fogem do recorte visto até
então no campo das artes visuais neste Ano da França no
Brasil. O curador Júlio Martins apresentou a Stéphane Vigny
trabalhos de brasileiros como Hélio Oiticica, Lygia Clark,
Ligia Pape, Waltércio Caldas, Cao Guimarães, Cildo Meireles,
José Damasceno e Iran do Espírito Santo, que se apropriam de
objetos cotidianos transformando-os em arte.
Nessa troca, Vigny já se apropriaria do conceito de gambiarra
tão usual no contexto artístico brasileiro e assim decidira
homenagear na mostra o artista carioca Waltércio Caldas em sua
obra “A emoção estética”. O artista realizou uma residência em
Belo Horizonte por um período de um mês, quando pode observar
de perto o cotidiano que serviria como inspiração para novas
obras (site specific). Trabalhos recentes e de importantes
colecionadores, como “Fuzis”, também estarão em exibição.
Dentre os destaques: “Cadeiraraigné” (aranha), uma cadeira de
escritório que tem os pés alongados até a parede, o que a
torna desfuncional; a “Caixa de Som Acucostica”, que combina o
relógio cuco com uma caixa de som; “Vintage”, uma bateria
feita com tonéis de vinho, cuja utilidade vai além da
contemplação, e “Barreira anti-rebelião estilo Luiz XV”,
propondo um comentário crítico e um novo jeito de enxergar um
instrumento repressor.
http://stephanevigny.free.fr/
Museu Inimá de Paula
Rua da Bahia, 1201 – centro
Informações: 3213-4320
Visitação: até 13 de março de
2010
Terça: 12h às 18h
quarta e sexta: 10h ás 19h
quinta: 12h às 21h
sábado: 10h às 19h
domingo: 12h às 19h
Minas ganha Centro de Arte
Contemporânea e Fotografia
A exposição Otto Stupakoff com
70 obras do primeiro fotógrafo de moda do país foi a escolhida
para a inauguração do Centro de Arte Contemporânea e
Fotografia. O mais novo espaço de discussão, exibição e estudo
das artes visuais de Minas será aberto ao público no dia 13 de
janeiro. O evento marca também o início das come das
comemoração de aniversário da Fundação Clóvis Salgado, que
completa 40 anos em 2010.
O Centro de
Arte Contemporânea e Fotografia é uma parceria entre o
Instituto Moreira Salles e a Secretaria de Estado de Cultura,
que vai gerenciá-lo por meio da Fundação Clóvis Salgado.
O novo espaço
tem 312,17m², divididos em duas salas expositivas e com uma
estrutura de galerias. Posteriormente, o Centro ganhará ainda
ateliês, estúdios e sala multimeios. O rico acervo fotográfico
do Instituto Moreira Salles e outras coleções do gênero serão
exibidas.
O Centro terá
uma unidade de intercâmbio entre artistas, de pesquisa e
produção de conteúdo.
A proposta do governo é tornar o
Centro uma referência na difusão, discussão e reflexão sobre a
produção contemporânea de artes visuais. Será criada uma
comissão especializada, com representantes nacionais, para
definir as exposições convidadas e a seleção para residências
artísticas. A linguagem fotográfica terá destaque na
programação, dando continuidade à vocação que o espaço já
adquiriu ao longo de sua história.
Outro
resultado da parceria com o Instituto Moreira Salles é a
exposição em homenagem ao escultor mineiro Artur Pereira
(1920-2003), que a Fundação Clovis Salgado recebe ainda no
primeiro semestre deste ano, na Galeria Alberto da Veiga
Guignard, Palácio das Artes.
Otto Stupakoff. Fotografias
A exposição é uma homenagem e
uma retrospectiva do trabalho do fotógrafo paulistano Otto
Stupakoff (1935-2009). A mostra baseia-se em três temas
principais: moda, mulheres e retratos de celebridades. As
lentes de Otto registraram personalidades como Jack Nicholson,
Sharon Tate e Tom Jobim, e grande parte das imagens são
resultado de trabalhos feitos para revistas internacionais
como Marie Claire, Cosmopolistan, Harper’s Bazaar, Life e Look
Magazine.
Otto
Stupakoff foi o primeiro fotógrafo de moda brasileiro, e além
dos editoriais de moda, destacou-se pelos retratos de
celebridades. Em 1965, aos 30 anos e alcançando o auge de seu
sucesso no Brasil, mudou-se para Nova York. Oito anos depois,
Otto foi para Paris onde fotografou para Vogue, Elle e Stern.
De volta ao Brasil em 2005, foi homenageado pela São Paulo
Fashion Week, com a mostra Moda sem Fronteiras, organizada
pelos fotógrafos Bob Wolfenson e Fernando Laszlo. Em 2008 sua
obra fotográfica foi incorporada pelo Instituto Moreira
Salles. E, em 22 de abril de 2009, Stupakoff faleceu na cidade
de São Paulo.
Centro de Arte Contemporânea
e Fotografia
Avenida Afonso Pena, 737, Centro
Informações: 31 – 3236-7400
ter. a dom: 12h às 19h /
quintas-feiras: 12h às 21h
Visitação: até 21 de março -
2010
Entrada franca
Exposição "Moluscos: Jóias do
Mar"
Com entrada franca, o evento,
promovido pela Prefeitura em parceria com os Conquiliologistas
do Brasil e USP (Universidade de São Paulo), através do Museu
de Zoologia, Centro de Biologia Marinha e Pró-reitoria de
Cultura e Extensão Universitária, pretende chamar a atenção de
moradores e visitantes para o fascinante mundo marinho.
Organizada
pelo Museu de Zoologia que tem por curador Luiz Ricardo Simone
Itinerante, a mostra visa apresentar ao público uma exposição
de exemplares selecionados do próprio museu e também de
colecionadores brasileiros com enfoques temáticos variados, ou
seja, desde a pura beleza até a utilização pelo homem de
algumas espécies como alimentação.
Segundo os
organizadores, o visitante "está convidado a conhecer parte
desse universo natural guiados por essas verdadeiras jóias da
natureza". De acordo com eles, os moluscos são o segundo maior
grupo de seres vivos em biodiversidade, somente suplantados
pelos artrópodes, em particular, insetos.
Na mostra,
exposta primeiramente na galeria de exposições temporárias do
Museu de Zoologia da USP e posteriormente exposta no Instituto
Oceanográfico, também da USP, o público poderá apreciar lindas
peças.
"Os moluscos
nos brindam com maravilhosas conchas, cuja beleza por si só é
assunto de muitos ensaios, atividades artísticas e de
contemplação. A fascinação pelas conchas é tanta que muitas
pessoas se dedicam a colecioná-las. Há associações e
confrarias espalhadas pelos quatro cantos do mundo, voltadas
integralmente a estudos, discussões e encontros dedicados a
tal atividade que recebe o nome de conquiliologia",
informaram.
Teatro Municipal de São
Sebastião
Avenida Altino Arantes, 2, no
Centro Histórico da cidade
de terça a domingo, das 10h às
22h
Visitação: até o dia 28 de maio
Entrada é franca.
Exposição em homenagem a
Michael Jackson
Um tributo ao rei do pop mundial
leva arte, alegria e saudade a dezenas de metros quadrado nas
estações de trens da capital paulista. A ação, idealizada pela
Sony Pictures Home Entertainment, marcou o lançamento do DVD
“Michael Jackson This is It no Brasil”, que aconteceu no dia
27 de janeiro de 2010.
Os mais de dois milhões de
usuários que circulam diariamente pelas linhas da CPTM se
depararam com um grande tributo a Michael Jackson. Cinco
estações foram pintadas por artistas convidados, todos com
grande repercussão no cenário nacional e internacional do
graffiti. O trabalho de cada um foi inspirado no documentário
“Michael Jackson This is It.
Os locais foram pintados nos
dias 16 e 17 de janeiro e assim permanecerão durante pelo
menos dois meses.
A ação, idealizada pela Sony
Pictures Home Entertainment, faz parte do projeto Galeria de
Arte a Céu Aberto Arte nos Muros da CPTM e conta com o apoio
da Collorgin.
Abaixo, as estações e os
artistas que participam do projeto:
Pintora, desenhista e gravadora
nascida em Ribeirão Preto, Odilla Mestriner (1928-2009) nunca
saiu de sua cidade natal e, mesmo assim, deixou importante
contribuição para as artes visuais do país, participando de
sete Bienais de São Paulo e tendo suas criações nos acervos
dos mais importantes museus e instituições brasileiros.
A obra e a vida de certos
artistas sempre se constituem em um luminoso mistério, pois
parece tão curta a vida para tão grande amor. Eu penso na
existência de Odilla Mestriner, emanação que continua a se
oferecer como referência e claro enigma. A sua obra
multiforme, complexa, corajosa e severa e a sua vida
encontram-se, de tal maneira interligadas, que não há
distinção entre elas, e a artista, como um personagem
absolutamente íntegro e clássico, é o seu próprio destino.
Como Medéia, Aquiles ou Antígona, o seu percurso é a
trajetória de sua história terrena e divina e ela se torna
símbolo de si mesmo e paradigma de um modelo de estrutura
nuclear trágica.
O Brasil de John Graz. É esse o
título da exposição que traz a visão da terra em que John
Louis Graz (Suiça, 1891 - São Paulo, 1980) – um dos mais
importantes e influentes artistas plásticos, designer,
arquiteto do século XX – escolheu para viver. A mostra, que
vai ocupar aproximadamente 150 m² da Caixa Cultural São Paulo
(Sé), está aberta a visitação a partir do dia 23 de janeiro de
2010, tem curadoria de Sérgio Pizoli e reunirá cerca de 180
trabalhos inéditos do artista. A iniciativa é uma parceria
entre o recém-inaugurado Instituto John Graz, presidido pela
viúva do artista, Annie Graz e a Caixa Cultural São Paulo.
John Graz – Suíço
radicado no Brasil desde 1920 traz para o cenário das artes
brasileiras as influências renovadoras dos movimentos europeus
do século XX. Após sua formação artística na Escola de Belas
Artes de Genebra, onde cursou Arquitetura, Decoração e
Desenho, viaja para a Espanha. Suas obras lá produzidas
impressionam Oswald de Andrade, que o convida a participar da
Semana de Arte Moderna 1922, ao lado de nomes como Anitta
Malfatti, Di Cavalcanti e Vicente do Rego Monteiro. É um dos
fundadores da Sociedade Pró Arte Moderna (SPAM) e do Clube dos
Artistas Modernos (CAM). Em 1925, inicia suas atividades como
arquiteto e designer de interiores, dedicando-se por quase
quarenta anos a este segmento profissional.
São Paulo, megalópole de onze
milhões de habitantes, babel contemporânea, cidade global,
selva de concreto, aço e vidro, fumaça, trânsito caótico,
polifonia de ruídos, ou, como quis Caetano Veloso: mais
possível novo quilombo de Zumbi.
Curso livre sobre a história
da cidade
Tão pouco conhecido quanto surpreendente. Talvez essa seja a
melhor definição para o primeiro contato do espectador com o
universo de Stéphane Vigny. Aos poucos, surgirão os
referenciais como a idéia de ready made como objeto de arte,
introduzido por Duchamp, as interseções com a produção
contemporânea brasileira e o humor bem particular do artista
que abre sua primeira exposição no Brasil no Museu Inimá de
Paula, em Belo Horizonte.
A exposição Otto Stupakoff com
70 obras do primeiro fotógrafo de moda do país foi a escolhida
para a inauguração do Centro de Arte Contemporânea e
Fotografia. O mais novo espaço de discussão, exibição e estudo
das artes visuais de Minas será aberto ao público no dia 13 de
janeiro. O evento marca também o início das come das
comemoração de aniversário da Fundação Clóvis Salgado, que
completa 40 anos em 2010. 
